音乐节奏素材-音乐节奏律动知识要点

雅尼(Yanni),当今世界著名的新世纪音乐作曲家和键盘演奏家。1954年出生于希腊卡拉马塔(Kalamata),全名雅尼·克里索马利斯,后加入美国国籍。1972年,毕业于美国明尼苏达大学。出于对音乐的热爱,毕业后走上音乐之路。1980年,录制了第一张专辑《Optimystique》,至今已发行出版十余张专辑,两度被格莱美奖提名,其作品在过去十年中一直是奥林匹克运动会广播音乐的最爱。曾在希腊卫城,印度泰姬陵,中国故宫,英国伦敦,美国拉斯维加斯举办过音乐会。2013年,雅尼参加了央视蛇年春晚,与常静等合奏了《琴筝和鸣》。

QQ音乐截图

夜莺

著名的乐曲《夜莺》是希腊作曲家雅尼专门为中国人作的。歌曲来源于中国的一个神话,在这个神话中,一个叫望帝的皇帝最后变成了夜莺。(西方文学里的“夜莺”意象,是悲伤的象征,相当于中国文学里的杜鹃。李商隐有诗云:“望帝春心托杜鹃”。——注)雅尼一直喜欢夜莺。来到中国后,他一直想用一种乐器来模仿夜莺的声音,西方乐器却没这个功能,雅尼来到中国后,找到了一种叫"竹笛”的中国民间乐器,它的声音与夜莺简直无差别,在紫禁城的音乐会中,一首竹笛主奏的《夜莺Nightingale》感染了亿万人。

《夜莺》是专门为中国人作的,符合东方人追求乐曲旋律和意境的审美特点。2001年雅尼创作完成《夜莺》后曾这样描述他的创作背景:“我时常聆听自然之声,因为我能从中学到平衡的法则。记得几年前(大约1994年),我在意大利威尼斯的时候,每当日落时分,这只小鸟(夜莺)就会来到我的窗前唱歌。它的歌声美妙如丝,令人陶醉,因为这鸟的歌声包含这么多词汇,节奏和旋律,我为我们之间无法用对方的语言交流而深感遗憾。直到几年后,当有人向我介绍中国笛子的时候,我才发现中国笛子与夜莺鸟的歌声在音调上有许多共同的地方,特别是在高音区。所以我决定为中国笛子谱写一首曲子。我想今天这只鸟如果能听懂我们的音乐语言并参加我们的音乐会,它一定会像这样和我们一起歌唱。”《夜莺》是一首充满中国古典音乐情调的现代电声音乐作品,它的特点是乐曲应用中国的竹笛模拟夜莺的声音。笛子的悠扬,清越,小提琴的婉转,飞扬,大提琴的低沉,肃穆,还有钢琴和电声乐队的雄浑,壮丽,最后还有人声的加入,充分显示了乐曲的独特魅力。  淡淡的弦乐远远的响着,中国竹笛开始吹出柔美悠远的旋律。就象月夜下,空旷的原野中,夜莺开始歌唱。这一段,以竹笛模仿夜莺的鸣叫为终了,然后清朗的钢琴加入进来,略带迟疑,小心翼翼的奏响。如同一个深夜未眠的人,远远听见夜莺的歌唱,开始去寻访,又怕扰飞了夜莺。竹笛在钢琴奏完一段后再次响起。如同夜莺在听到些微的动静后,沉寂了片刻,又开始歌唱。钢琴间略的合奏,慢慢的,弦乐也加入进来,和钢琴汇合成了一道洪流,而竹笛的声音仍是清晰明亮的,象一只燕子飞舞在一条河流之上。如同夜莺的歌唱吸引了越来越多的人来倾听欣赏,发出感叹和赞美,而夜莺唱得越发好听了。乐曲从高亢嘹亮的巨响转入清空恬淡的寂静,如同从一条奔涌的河流来到了平静的湖面,我们的心一下子沉静了下来,来到了最华彩最动情的段落。明亮甜美的小提琴,深沉浑厚的大提琴,彼此开始眉目传情,互通款曲,音色和合奏都层次分明,炉火纯青,鸣珠奏玉般的钢琴漫不经心的敲打着,竹笛在遥远的地方轻轻的唱和。提琴,钢琴,竹笛配合的亲密无间。如同人们在聆听了夜莺的歌唱后,内心涌起了非常美丽非常动情的共鸣,提琴的弦,正如我们的心弦。曲子又从静美转向洪流,所有的乐器都加入进来,纵情的歌唱。我们发现奔涌的洪流中有人的合唱声,灼热嘹亮,人是造物主最精妙的设计,人的声带也是世间最好的乐器。贝多芬在他最伟大的第九交响乐中,除了近百人的交响乐团外,还加了一个很大的合唱团,因为只有人声,才能表达发自内心的巨大喜悦。雅尼也喜欢拿人声当乐器来用,或赞叹,或歌吟,或是呼喊,经常没有什么词句,只是单纯的美妙的人声。乐曲在结尾的时候反而越来越高,在一声轰然巨响中噶然而止,如同千百个烟花同时绽放。

注意:《夜莺Nightingale》和《夜间的鸟Nightbird》可是两首乐曲!

这两首。《夜莺Nightingale》当年他就是来故宫演奏的。

天空之城

寂静的远方

River Flows In You

安妮的仙境

也可以听听雅尼的

节奏包括节拍和速度这两个概念,前者是指音乐规律性的强弱交替的运动,即拍点的组合,后者是指律动的速度。节奏的律动就是节奏的生命。 那么,下面是我为大家整理的音乐节奏律动知识要点,欢迎大家阅读浏览。

一、节奏在自身的感觉

在知道拍号和每分钟有多少拍后,我们就要去感觉节拍。有的学生不去感觉节拍的分组,节奏的特性,等等,而是机械也数着拍子,我们要把这种被动变为主动,进入内心的节奏感觉。要做到有内心的节奏感觉,首先要去感觉节奏。

许多节奏方面的缺点之所以产生,实际上是由于自己本身没有很好地理解作曲家的精神和他的风格,作品的艺术形象。这就使永远变化无穷的多种多样的表演手法同作品、作品的意义、内容相一致首先是同它的形式结构,作曲法本身,声音素材取得完全的协调,只有这样,表演才可能是好的,艺术的。

1.在技术性段落中,要划分清楚一些有规律的组织的节奏。

2.要对节奏有感觉,也就是说对每小节内强拍弱拍的区分有感觉。

举几个常用的节拍:四二拍是强、弱,四三拍是强弱、弱,四四拍是强、弱、次强、弱、八六拍依次是强、弱、弱、次强、弱、弱。

举例一首作品来说,这首乐曲,表现的是船水中摇荡的背景。船歌一般是用八六拍子写成的。以三个八分音符为一组,每小节分为两组,根据六拍的节奏特点,把船在水中左右摇摆着前进的感觉表现得恰到好处。我们在演奏时,把第一拍作为一个重音,二三拍轻轻地带过去,第四拍作为次重音也要放下去一个小重量,然后五六拍再轻轻的演奏。只要把这些力量安排好了,演奏的的时候的心里节奏就会慢慢形成。有些演奏者过远地偏离原谱和作者的构思,其根本在于不够理解作品的基本内容,歪曲作品的结构。因此,我们必须养成认真去分析节奏,并去感觉、体现它的习惯,这是保证演奏中基本的节奏感所必需的。

二、节奏与律动感

节奏的律动感,是要通过自己的内心去体会,去感受,其要点是结合乐曲的情绪语言、意境,选择好合适的节奏。这种律动感可说是一种韵律。真正以内心感觉到节奏,感觉到活生生的脉搏,节奏的律动就是节奏的生命。律动经常在较快速的段落和有规律的伴奏音型部分能更明确地得到体现。比如,在八六拍子中,每小节分成两组,每组六个八分音符。在淡雅、宁馨的旋律之下,伴奏音型平稳而美好地缓缓向前流动着,每六个音为一个律动。这六个音中,第一个音稍重一些,作为律动的点和依靠,后五个音均匀柔和地连续下去。这时音乐的表达会让人更加的舒服,安逸,表现力大大提高。在这种感觉中,逐步去体会出合适的律动速度和意境。节奏的律动感是一种活生生的,发自内心的感觉,就像脉搏对人的生命那样的富有活力。我们必须多听、多想、多体会,才能有正确的自我律动。

三、节奏与速度

如果演奏者没有把大型作品,作为一个整体来加以足够的思考并去感觉,就必然会出现速度上和节奏的错误。有得演奏者在刚开始表演作品是难以确定作品正确的基本速度。开始时采用的速度如果是不肯定的或是错误的,往往会对整个作品产生影响,有时即使作品的速度得到改进,但是表演的完整性却已遭到破坏。练琴时可以试用各种与原来速度略为有所不同的速度,借以确定以最慢到最快速度的状态,这是一种很好的方法开始表演之前,最好在思想上把开始时的速度和作品以后发展中的某个地方作一比较。

例如,在开始是一段宽广的柔板或广板之前,先用你认为最合适的速度把这个开始部分在心里唱出来,为的是在表演开始前已经能使自己感觉到需要的节奏气氛。采用这种方法确定开始的速度时,就不大会出现“偶然”和“大致如此”的情况了。在速度中,它有各种不同的变化,常见的有自由节奏;渐慢,加快,等等。在节奏的变化和节奏自由等情况中,最主要的一点是,基本速度不要忘记,每一首曲子都可以有很多渐慢、渐块的变化,但是都要回到它的基本速度上去。 我们拿自由节奏这一音乐术语来说,本意是有借有还,意思就是说你在某一个地方慢了一些,拖了了一些拍子,下面适当的地方就需要稍快一点紧凑一点。这在浪漫派的乐曲中是很多见的,至于临时性加快和渐慢,在乐谱上都会标明,这种节奏上的变化,比自由节奏要规范得多。

比如,一个作品速度是每分钟一百二十拍。乐曲开始,整个第一行速度极稳定。第二行第一小拍标上了加快,要求从这一小节第一拍起加快,一共两小节,这个加快,这两小节从原速开始,一拍比一拍更快,这是一个逐渐加快的过程。 比如表现刑警开始行动,罪犯的四下逃窜的情景,演奏者常常过急,一下子加速至最快,这就成了突快,而不是渐快了。这样却违背了作曲者本身的意愿。在加快之后第二行的第三小节标着回原速,从这一拍起,马上要回到一分钟一百二十拍的基本速度上去,这个速度不能忘记。由此可见,乐曲速度的变化是需要演奏者长时间的学习,培养节奏的律动感。所以,在变化节奏中,变化的部分能否做到渐慢或渐快,回到原速时节奏是否清楚、稳定,是我们对节奏感的很好考验。