素描素材几何-美术知识有哪些？

素描

【概念】

英文:sketch

广义上的素描,涵指一切单色的绘画。素描起源于西洋造型能力的培养。

狭义上的素描,专指用于学习美术技巧、探索造型规律、培养专业习惯的绘画训练过程。美术是表现事物的一种手段。美术的基础是造型,艺术造型是人按照自然方式进行的复杂劳动,是一项需要长期训练才能形成的特殊技能。艺术造型不只是塑造孤立静止的物体形态,更重要的是表现物体中各种形式的有机关系。掌握艺术造型的方法,需要恢复人的自然

思维方式

和操作方式,需要研究自然物体的形式特点和认识它的变化规律及条件。素描是解决这些造型问题的最佳途径,这在艺术造型的实践中得到了完全证明,因此,素描被称为“

造型艺术

的基础”。

素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法,如蜡笔,炭笔,钢笔,铅笔,画笔,墨水,及纸张,其它还包括在湿濡的陶土,沾了墨水的布条,金属,石器,容器或布的表面所造成的磨损。素描是一切绘画的基础,这是研究的过程中所必须经过的一个阶段。

轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感,观者从欣赏过程中可感受这一点。不同的笔触营造出不同的线条及横切关系,并包括节奏,主动与被动的周围环境,平面,体积,色调,及质感。

素描是一种正式的艺术创作,以单色线条来 表现直观世界中的事物,亦可以表达 思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像绘画那样重视总体和彩色,而是着重结构和形式。(大不列颠百科全书)

在西洋美术辞典(雄狮图书公司出版)这本书中,与素描相关的解释,只有速写一项,文中认为作品或作品部份的粗略草图,是艺术家针对光影、构图和全幅之规模等要点所作的研究和探讨;它是全幅画的初步构图或其中之一。一幅出自风景画家的速写素描通常是一幅小而快的记录,用来表现风景的光线效果,同时也是为了将来重新作画时的构想作准备。

素描是一种用线与面的表现方式来表达的.每一个物体在光照下都有亮灰暗三部分.从最深到最亮依次是:明暗交界线,

暗部

,反光,灰部,亮部.在作画时,亮部要尽量避免脏,暗部要尽量避免闷(即由于线条太多而没有空隙与反光)。

素描是其他艺术的必然基础,尤其是水彩,油画,版画,雕刻(浮雕), 另外对

平面设计

,也是画草图的必要基础。素描虽然被视为是两度空间 的艺术,不需要颜色及第三度空间,却也同时暗示这两者。

素描的定义(摘自康和教师手册)

法文Dessin--英文Drawing--中文称为「素描」。素描是描绘者在既定的面积或在平面的物质(纸、布……)上--描绘出外在的形体在空间中的位置--并藉此训练来掌握物体的明暗层次和基本形象。

学习:

在素描的练习过程中,素描必须着重光线、物体的关系,笔触的描绘手法,将自己眼睛所观察到的形体,具体而微的呈现出来。所以,素描需培养自己的观查力。另外,素描也可以解释为「存在」与「绘画」之间一切的努力,亦即所谓「绘画之描写力」。例如,描绘桌上的静物,除了可以发现静物上不同的色彩外,亦可发现放在桌上的

安全感

,和背景间的协调性,这些存在的形、色、线条、明暗,质感,量感、存在感、空间、……等等复杂的因素,互相交织,构成一个美的秩序。绘画就是要将那些自然的秩序,导换成美的、入画的秩序,这也是素描的意义和目的。素描是绘画的基础,是最能体现人的绘画水平的画种。因此,在学习中要踏踏实实,持之以衡,不可浮躁。

美术高考素描考试:

随着我国

高等教育

的发展,美术院校及专业招生数量越来越多,许多爱好美术的高中生报考美术院校和专业,而素描考试是美术专业考试的主 要科目,如何在高考中提高素描成绩,是考生苦苦寻觅的问题。因此,对素描考试的研究是高中美术教师教学的重中之重。

欧洲艺术在19世纪末,由於後期印象派、

立体主义

对於艺术本质的不同追求与探讨,使实体形与色的描绘完全解放,因此,也改变了传统的素描训练方式。在部分国家,如法国

巴黎第一大学

美术系,便以「

二度空间

,单色与多色的研究」来取代「素描」的课程。在这种的课程安排中,素描有著更宽广的空间,素材的弹性更大,学生可以任意使用各种不同的媒材来从事二次元的造形练习。所以,除了基本的素描概念不可偏废外,在素描媒材的训练上,应在课程的练习中给予更多的弹性与变通,使素描的训练不仅能配合艺术思潮,并且展现更多的活力和更广的表现力。

素描是「观念」「IDEA」。也是所有图形行为的基础,尤其是绘画的基础。到了现在,素描已被认为是一种专门的表现技法,包括线条的描绘、光影、重点、调子等。

素描是指在绘画上的基础表现,由於绘画的主要造形元素是线条和色彩,要在有限的二度空间上,发挥无限的美的情境,就必须对造形表现的技法运用熟练,方能随心所欲的达成。于是素描便是画者利用最简单的工具,将美的意念经过观察、体验、想像、选择、重组等的努力,而做下的纪录。

由于它重在绘画发展的过程,因此,可能有各种试探的实验性,所以素描表现的内容与形式,也是多样而丰富的。

素描不仅是学习绘画的基础,一幅好的素描作品本身就是一件独立的艺术品。由于它使用的工具较为简便,又是在较短的时间内完成的,因此往往比经过很多加工的绘画作品更直接地传达作者瞬间的灵感和激情,捉取所画对象的生动气韵。在一些素描杰作中,能得到在其它画作中不易领略到的那种直觉的艺术感受。

西方美术史上的很多绘画大师,曾留下大量的素描作品,如

文艺复兴三杰

、鲁本斯、伦勃朗、哥雅、

安格尔

、列宾、门采尔等等;而有的大画家则流传极少,象

提香

、委拉斯兹,由于他们长于直接在画布上起稿,所以没有留下多少素描稿;但从仅见的少数作品上仍能窥见他们在素描方面独到的功夫。

素描的明暗五调子:明部,半明部,明暗交界面(最暗),投影面,反光面 素描要注重基础 画多几何体很提能力!

素描,一般先从石膏像入手,以石膏像作为初始阶段的教学内容,其有利条件是:其一,石膏像是白色的物体,便于我们观察人物头部形体结构的转折关系及层次差别;其二,石膏像是静态的,对于初学素描写生的学生而言,这为他们细致、耐心地观察和描绘对象提供了最大的方便。淡化了的人物肤色、毛发的各种差异和变化,会使我们更为直接地感受不口理解对象的形体与结构的本质;此外,石膏像通常是翻模欧洲古代艺术大师及东方艺术家的经典雕刻作品,这些雕像本身已经过雕刻艺术家的概括、归纳、强化处理和表现,人物的形象特征、结构关系更为强烈鲜明,与情绪更为生动,富有感染力。在石膏像印写生训练中,这种对象本身已是一个很好的艺术范例,给我们提供了结构、形体与层次的最好方法。石膏像的上述特点其实从另一方面已说明了它与人物肖像写生的区别和差异。那么,在具体的写生过程中,

表现手法

上的异同又体现在哪些方面呢?

扼要地说,石膏像素描写生与人物肖像素描写生从观察方法到表现步骤没有什么本质区别,而且是比较一致的。但在具体的表现技巧上确有些细微差异。首先,石膏像的形体结构与肌肉的起伏关系是雕刻家用雕刀塑造出来的,它有明显的体面归纳、概括和处理的痕迹。如石膏像的眉、须、眼球、头发等都是运用体面、

团块

归纳与处理过的形体。骨、肌肉的起止关系都较为明显而强烈

美术基础理论

关键词: 美术基础

素描基础

“素描”就是“素色描绘”和“朴素的描写”的意思。一般是指用木炭条、炭精条、铅笔、木炭笔、钢笔、毛笔等较为单纯的工具和单一的色彩在纸面上所作的绘画。它是造型艺术的形式之一,可以用来进行美术创作,绘制创作草图和进行造型基本功训练。

素描是造型艺术的基础。作为造型艺术形式之一的素描,它是通过形体结构、比例、位置、运动、线条、明暗调子等造型因素体现的。由于它使用的工具材料简单,色彩单一,通过严格的素描训练,便于学习者掌握造型艺术基本规律,研究和反握造型艺术诸因素,训练和培养正确的观察方法、思维方法和表现方法、提高审美情操,打下牢固的造型基础。因而学习国画、油画、版画、雕塑、工艺美术的同志,常从学习素描入手,世界各国均把素描作为重要基础课列入造型艺术专业的教学计划,对学习者进行基础造型本领的培养和训练。

素描基础训练的目的是为了不断提高造型能力,准确而又概括、生动而以深刻地表现对象。要达到此目的,必须掌握科学的观察方法,深刻的表现方法,坚实的造型能力,以及正确认识和处理学习过程中的一些关键性问题。

要正确的科学的观察、认识和思维的方法。素描教学是一个完整的训练体系,它要求眼、脑、手同时得到锻炼,认识和技能同时得到提高。为了培养分析问题和解决问题的能力,对于造型的分析和综合,深入形容和艺术的概括,都要以唯物辩证法作指导,正确认识和处理主观与客观、现象与本质、感性与理性、局部与整体等关系,整个作画过程都要在“整体的关系”中去观察,认识和表现对象。这是掌握形体塑造技巧的前提,健康而以符合审美原则的表现方法的基础。

要运用多种训练手段。提高造型能力的途径是多方面的。长期的素描写生训练对培养写实能力,深入准确的描绘能力是有效的,应作为造型能力训练的重要手段予以重视。但单有这方面的能力是不够的,也是不全面的。速写对敏锐的观察和艺术的概括能力的培养;默写对形象的理解和记忆能力的训练;摹写对借鉴优秀技法的作用;以及构图练习对创作能力的提高和技能的全面锻炼都是十分有益的。在学习过程中我们要坚持“由简到繁”、“由浅入深”、“循序渐进”的原则,把长期作业和短期作业结合起来;课堂练习和课外练习结合起来;写生和速写、默写、摹写、构图练习结合起来。这样穿插进行,合理安排,通过多种途径和手段,就能使造型能力得到全面的锻炼与提高。

要采取多种表现方法。一般人认为“素描”就是长期的全调子素描,这种理解是不够全面的。应该说这是素描的一种形式和方法,也是一般人目前常用的方法,但并非是唯一的表现方法。素描在平面上塑造形象、表现空间的基本要素是点、线、面,通过它们的单个运用和综合运用,均会产生不同的素描样式,并有不同的表现效果。线条对形体的概括和情感的表现,块面对立体空间和真实感的表现,各有所长,我们要充分研究和发挥它们的表现功能,取各法之所长以适应专业学习和艺术表现的需要。我们还要向历代名家学习,得各家之所长为我所用,丰富和发展我们的素描技法。

要把理论和实践结合起来。素描基础训练的技术性很强,它需要艰苦的劳动,刻苦的磨练,通过大量的实践去掌握它,这是无疑的。但如没有必要的理论知识作指导,路子未必对头,收效未必显著。在素描实践过程中,除了必须有正确的科学和观察、认识思维的方法橡皮,还要有解剖结构、透视变形、明暗调子、线条运用和构图处理等方面的知识,这就要结合技能训练学习解剖、透视、素描、构图等方面的理论知识。这样在理论指导下实践中提高认识,素描技能就能得到不断的提高 。

平面构成基础

平面构成的概念

所谓构成(包括平面构成、色彩构成和立体构成),是一种造型概念,也是现代造型设计用语。其含义就是将几个以上的单元(包括不同的形态、材料)重新组合成为一个新的单元,并赋予视觉化的、力学的概念。其中,立体构成是以厚度塑形象,是将形态要素按照一定的原则组合成形体;平面构成则是以轮廓塑形象,是将不同的基本形按照一定的规则在平面上组合成图案。

平面构成元素,包括概念元素、视觉元素和关系元素,是指创造形象之前,仅在意念中感觉到的点、线、面、体的概念,其作用是促使视觉元素的形成。视觉元素,是把概念元素见之于画面,是通过看得见的形状、大小、色彩、位置、方向、肌理等被称为基本形的具体形象加以体现的。关系元素,是指视觉元素(即基本形)的组合形式,是通过框架、骨格以及空间、重心、虚实、有无等因素决定的;其中最主要的因素是骨格,是可见的,其它如空间、重心等因素,则有赖感觉去体现。

平面构成的框架 一切用于平面构成中的可见的视觉元素,通称形象,基本形即是最基本的形象;限制和管辖基本形在平面构成中的各种不同的编排,即是骨格。基本形有“正”有“负”,构成中亦可互相转化;基本形相遇时,又可以产生分离、接触、复叠、透叠、联合、减缺、差叠、重合等几种关系。骨格可以分为:在视觉上起作用的有作用骨格和在视觉上不起作用的无作用骨格,以及有规律性骨格(即重复、近似、渐变、发射等骨格)和非规律性骨格(即密集、对比等骨格)。基本形与骨格的上述这些特性,将相互影响、相互制约、相互作用而构成千变万化的构成图案(如下图,就是由基本形通过重复、接触、差叠等构成的)。

平面构成入门

点的构成形式

越小的形体越能给人以点的感觉

(1) 不同大小、疏密的混合排列,使之成为一种散点式的构成形式

(2)将大小一致的点按一定的方向进行有规律的排列,给人的视觉留下一种由点的移动而产生线化的感觉

(3)以由大到小的点按一定的轨迹、方向进行变化,使之产生一种优美的韵律感

(4)把点以大小不同的形式,既密集、又分散的进行有目的的排列,产生点的面化感觉

(5)将大小一致的点以相对的方向,逐渐重合,产生微妙的视觉

(6)不规则点的视觉效果

线的构成形式

线是点移动的轨迹

(1) 面化的线(等距的密集排列)

(2)疏密变化的线(按不同距离排列)透

视空间的视觉效果

(3)粗细变化空间,虚实空间的视觉效果

(4)错觉化的线(将原来较为规范的线条

排列作一些切换变化)

(5)立体化的线

6)不规则的线

面的构成形式

它体现了充实、厚重、整体、稳定的视觉效果

(1) 几何形的面,表现规则、平稳、较为理性的视觉效果

(2)自然形的面,不同外形的物体以面的形式出现后,给人以更为生动、厚实的视觉效果

(3)徒手的面

(4)有机形的面,得出柔和、自然、抽象的面的形态

(5)偶然形的面,自由、活泼而富有哲理性

(6)人造形的面,较为理性的人文特点

单形的构成

(1) 几何单形的相互构成(以圆形、方形、三角形为基本形体,将它们分别以连接、重合、重叠、透叠等形式,构成不同形象特点的造型)

(2)分割所构成的形体(训练设计者灵活的造型能力)

(3)重合所构成的形体,(形体间相互重合、添加派生出各种形态各异的造型)

(4)自然形单形的构成 (把自然物的基本形以真实、自然、概括的形式表现出来,应用到构成设计中去)

平面构成的形式 (一)

1.平面构成的基本格式(基本格式大体分为:90度排列格式、45度排列格式、弧线排列格式、折线排列格式)

2.重复构成形式(以一个基本单形为主体在基本格式内重复排列,排列时可作方向、位置变化,具有很强的形式美感)

-简单重复构成

-多元重复

3.近似构成形式(有相似之处形体之间的构成,寓“变化”于“统一”之中是近似构成的特征,在设计中,一般采用基本形体之间的相加或相减来求得近似的基本形)

4.渐变构成形式(把基本形体按大小、方向、虚实、色彩等关系进行渐次变化排列的构成形式)

-形的大小、方向渐变

-形状的渐变

-疏密的渐变

-虚实的渐变

-色彩的渐变

平面构成的形式(二)

5.发射构成形式(以一点或多点为中心,呈响周围发射、扩散等视觉效果,具有较强的动感及节奏感)

-一点式发射构成形态

-多点式发射构成形态

-旋转式发射格

6.空间构成形式(利用透视学中的视点、灭点、视平线等原理所求得的平面上的空间形态)

-点的疏密形成的立体空间

-线的变化形成的立体空间

-重叠而形成的空间

-透视法则形成的空间(以透视法中近大远小、近实远虚等关系来进行表现的)

-矛盾空间的构成(错觉空间构成):以变动立体空间形的视点、灭点而构成的不合理空间,“反转空间”是矛盾空间的重要表现形式之一

7.特异构成形式(在一种较为有规律的形态中进行小部分的变异,以突破某种较为规范的单调的构成形式,特异构成的因素有形状、大小、位置、方向及色彩等,局部变化的比例不能变化过大,否则会影响整体与局部变化的对比效果)

8.分割构成形式

-等形分割(形式较为严谨)

-等量分割(只求比例的一致,不需求得型的统一

-自由分割(特点灵活、自由)

9.肌理形态构成(肌理指客观自然物所具有的表面形态,是各种物体性质表面特

征),制作更多的肌理图案:

滴色法 水色法 水墨法 吹色法 蜡色法 撕贴法

压印法 干笔法 木纹法 叶脉法 拓印法 盐与水色法

有什么比较好的全面的素描结构素材书,推荐几本

一、艺用解剖书籍

1、国内的首推人美《结构》(浙美教材编写组编的)

2、国外的首推广西美术《伯里曼结构绘画教学》,比较经典,据说这部书很多人都通临过。

二、至于你说的素材,在百度上输入相关的关键词会得到很多资料。

绘画入门:从火柴人开始分析结构

新手学习绘画,经常是拿起笔就从人物头部开始一部分一部分地画,最后画出来的人物简直乱七八糟惨不忍睹!

所以,最好要先对有个全局观,了解基本的结构,学会体块的概括,再来做分解学习。

先从火柴人开始,对有一个大概的认知。如果一开始就画一个完整的,对有些同学来说会比较难。

记住一三五:一个头,三个身体,五个脚。手要超过上身,到腿部,差不多四个格子。

上身:一个小圆代表头,一个大圆代表胸腔,再来一个小圆代表腹部。

中间:三角形表示胯骨。

下身:腿分大腿小腿和膝盖。为了好看,小腿会比大腿长一点,膝盖就用小圆圈代替,然后小腿后面是腿肚子,腿肚子下面是跟腱,再下来是脚踝和脚。

手:手分肩膀、大臂、肘部、小臂、手掌。肩膀用个圈;大臂、肘部来个圈;小臂、手掌就用方块加几根线代表手指。

最后,加脖子。

这就是简化的结构了,画技不重要,重要的是了解的比例关系和概括方法。

结合最后一步的知识,我们回过头来再认真地画一个火柴人。第1笔画头部,第2笔画脊椎,第3笔画肩部,第4笔画胯部,剩下的4笔画四肢。

不要小看火柴人,它表示了骨骼的关节,骨骼关节点归类就是四大点八小点,一脊椎。掌握了骨骼与关节的关系,再去分析与演化。

以成人身高的“火柴人”来讲解骨骼比例关系。

有两种划分方法:等比划分与单位划分。

1.等比划分:首先将整个人进行二等分,然后将上半身三等分,最后将下半身二等分。

2.单位划分:以头部为单位划分。比例分为纵向的头身比和横向的肩宽比。

不是一个平面,而是有体积的体块。所以在了解了基本的骨骼框架和比例之后,我们要在此基础上表现形体结构。而在学习结构时,很容易忘记空间感和立体感,所以我们要将形体简化为方块体。

体块就是将平面的图形转化成立体的。头部是椭圆球体,也可以用立方体表示;关节是球形;四肢是有粗细变化的圆柱体。

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人物全身素描画法步骤

人物全身素描画法步骤

表现人物特征,生动地反映其精神面貌和内心世界,是人物素描的基本内容和要求。。面对不同对象,怎样去塑造和表现,对于初学者,是一个新的课题。下面我们就来介绍素描中人物的全身比例以及全身速写画法的步骤。

人物全身素描画法

人物全身比例分以下几种:

第一种是上下比例,标准的成年人身体的乡下比例为6.5-7个头的长度,及头部是一个长度,第二个是从下颌到,第三个是从到肚脐,第四个长度是从肚脐到大腿的1/3处左右,第五个长度是从大腿的1/3处到膝盖部分,第六、第七个长度是膝盖到足底。

第二种是四肢比例,一般情况下,上肢(指从肩部到手的中指尖)为三个半偷得长度,下肢部分将近四个头长。

第三种是左右比例,左右比例是指两肩间的宽度,两肩间宽度为两个头的宽度。根据这种比例进行人物全身速写,再把线条画的漂亮些,就能够完成一幅较好的人物全身速写。

人物全身素描绘画方法与步骤

素描写生是通过、整体DD局部DD整体“的观察方法在不断地比较中来实现的,全身像写生过程通常是由以下三个阶段所组成的。

一、构图

不能简单地确定位置理解成构图创意,应该是通过认真的观察对象而产生的一种创作热情及表现欲望,并能运用、比例、形体及环境构成因素进行组合、穿插、取舍来实现的。当然,写生时首先应确定人物在画面中的位置,通过“一竖、二横、三体积、四肢”的对应关系找出模特儿的特征和形体特征,然后对周围的场景作简要的勾勒。

二、形体塑造

构图创意阶段已使作者对模特儿有了一个初步的认识,而进一步关注的是“合理空间”中人的形体塑。要对由于使各部分之间出现的“显”与“隐”,“实”与“虚”,“大”与“小”,“长”与“短”,“紧”与“松”等变化进行深入刻画。特别是形体特征更不应放过,使所塑造的形体真实可信。

三、空间造型

形体塑造阶段主要是针对局部结构深入刻画,容易出现画“碎”了,“过”了的错误,这时要求作者回到整体、全局上来,对前面的塑造进行统一,大胆地整理结构与形体之间的关系,使之符合所处空间的位置并与形象感受相吻合。整体是原则,适度为要点,形体塑造阶段运用的多是“加法”,而这一阶段则多用“减法”,减去繁琐的描写,不必要的细节,使主题更突出。

四、调整统一

另外,还有几个问题必须强调。首先,边缘浅与空间的关系不能画“死”了“僵”了,否则造成边缘线游离该空间之外,其次,调子、背景和空间氛围是否吻合。再次,刻画的主体各局部与局部的关系是否和谐。

画人物写生须注意的几个问题

(一)人物特征的表现

人物头像不仅有复杂的结构,更有丰富的表情。在循序渐进的素描写生中,先训练抓“形”,在较熟练地掌握了形的基本规律后,逐渐达到“以形写神,形神兼备”这样便要求头像的塑造时注意模特儿的形象特征。

鲁道夫·阿思海姆在《艺术与视知觉》一书中曾证明出人在视觉上存在两种习惯倾向,即整平化与尖锐化,在整平化倾向化的人往往强调对称,剔除细节,消除倾斜,有尖锐化倾向的人则产生分离,加强差异,强调倾斜。这两种倾向都不利于造型,整平化的缺点更为有害,它易呆板的毛病是肖像个性化的'严重障碍。

头像的生动神态的捕捉,主要取决于五官表情区的刻划。安格尔说:“画头像时,一个艺术家所最关心的就是让眼睛说话,即使是一般的眼睛,首先应该画眼窝,然后过渡到隆起的鼻子。眉毛的运动方向也是表情的关键,嘴角对微妙表情的变化反映更加细致准确。

(二)另外,手在某种精神状态下的意识的反应,也会把面部要隐藏的东西暴露出来。画家所作的是把他对手的观念与真的手的概念统一起来DD用真的手的概念去研究手的用途,使用方法和规律。画手就先要了解它的结构,从几何结构,即从圆柱体、立方体来理解对的方法,手与表现,手与性别等等。

(三)衣纹:衣纹的表象来自的结构和自身的质地,产生衣纹的原因:(1)与的形体结构相一致,是力的作用,与人的运动或外力有关;(2)由服装本身的样式有关;(3)长期折叠形成的;(4)衣服自身垂力产生的垂感。

(四)线型与衣料的质地

由一料的质地不同,影响衣纹的形状如丝绸类的质地较薄的衣服,衣纹多而密,线型也较柔圆。麻布等硬质类衣纹多用折线、直线,线型方而短,呢绒及化纤织物,衣纹少而挺。我国传统绘画对衣着的造型,也有很高见解,并总结出一套不同于西画的完整的表现样式和体系,沈宗骞在《芥子图学画编·人物谈话》中说:“周围骨骼要从衣外看出,何处是肩,保处是肘,凡此皆骨骼之隐于衣中,而于作纹时随笔写出。”“先将裸体骨骼约定,后施衣服。”其中道出衣服结构与结构之间的关系。

以线为主画衣纹,须更加重视衣纹的提练,概括和取舍。写生时要充分发挥线条的疏密,长短,虚实节奏等效果,有时并带有一定的装饰性。这一点在中西绘画中有异曲同工的一致性。

(五)全身人物着衣写生

它是肖像画的一种,也是收集创作素材的重要手段,它在胸像的基础上,更推进一步,要求画者对整体的了解和掌握,对整个人物形体各部分的刻划与协调能力的提高。对人物个性的体现将是全面的,甚至包括场景在内。

(六)手的具体画法

手由二十七块骨和十六个关系组成,手背和形状几乎由骨决定,手骨有腕骨、掌骨、指骨组成。腕骨有八块,和足部跗骨一样呈不规则形。它们结合成一个整体。

具体描绘手时,要掌握手的比例、体积和体积。手的体积有两部分,(1)手掌;(2)大拇指,手平放从侧面看,腕关节高,自指关节倾斜,被称为“降价式”象一级降低的台阶。

(七)小结

素描(线描)人物写生,综合起来说就是先由头像、胸像、半身像、全身像四阶段的写生训练,每个阶段的要求不一样,但从整体到局部,由局部再加到整体这一方法是不变的,多训练、多研究、多比较,方能一步步的取得进步。

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