关于美国音乐的图片素材-关于爵士音乐

love story

changing partners

season in the sun

scarborough fair

寂静之声 1. 500 Miles离家五百哩 C The Brothers Four 四兄弟合唱团

唱红近百首畅销曲与无数电影主题曲之当代民歌团体经典作。

2. Jamaica Farewell再会牙买加 C Harry Belafonte 哈里 贝拉丰特

改编自牙买加传统民谣,由哈瑞贝拉丰德作曲红遍全球。

3. Streets Of London伦敦街角 C Ralph McTell 拉尔夫迈克迪尔

全美告示牌Top 2,英国街头游唱诗人之英式民谣佳作。

4. Blowin’In The Wind随风而逝 C Bob Dylan鲍布 迪伦

一代巨擘巴布狄伦唱出美国民歌史上最重要的作品之一。

5. Monday Morning星期一早晨 C Peter, Paul & Mary彼得,保罗与玛丽

披头四出现前早已走红,擅长反讽政治的三人团体小品作。

6. Diamonds And Rust钻石与铁锈 C Joan Baez琼 贝茨

美国民谣之后为巴布狄伦所创作之历久弥新传世钜作现场版。

7. Both Sides Now正反两面 C Judy Collins茱蒂 柯琳丝

以澄澈高音被誉为「美国乐坛瑰宝」的创作女歌手之清新隽永作。

8. Over And Over一次又一次 C Nana Mouskouri 娜娜

扬名四十年希腊国宝女歌手,用优美嗓音征服乐迷的乡愁小品。

9. Scarborough Fair / Canticle迷幻市集 C Simon & Garfunkel 西蒙与加芬克尔二重唱

美国当代传唱史诗。达斯汀霍夫曼主演「毕业生」电影主题曲。

10. Those Were The Days往日时光 C Bobby Vinton 鲍比温顿

集歌手演员於一身的60年代超级偶像,曾缔造无数冠军单曲。

11. Greenfields绿野 C The Brothers Four 四兄弟合唱团

以幽暗色调描绘失恋男子痴情,59年四部美声抒情曲。

12. I’ll Have To Say I Love You In A Song我要用歌向你表白 C Jim Croce吉姆 克罗奇

短暂生命却创造无数感人诗篇,逝世后单曲荣登冠军之传奇人物。

13. Devoted To You深爱着你 C Carly Simon & James Taylor卡莉 西蒙&詹姆斯 泰勒

才子佳人78年翻唱Everly Brothers老歌登上抒情榜亚军深情曲。

14. Danny’s Song丹尼之歌 C Loggins & Messina 罗根斯&美西娜二重唱

肯尼罗根斯72年为兄长创作之隽永小品。安玛丽重唱一举畅销。

15. Windflowers风之花 C Seals & Crofts 席尔&克罗夫二重唱

由於齐豫当年翻唱,让这首世纪经典抒情佳作红遍全台。

16. The Other Side Of the Sun太阳的另一端 C Janis Ian珍尼丝依恩

16岁出道、23岁勇夺葛莱美奖的纽约全才型民歌手轻快性灵创作。

17. Dust In The Wind风中之尘 C Kansas 堪萨斯合唱团

崛起於70年代前卫摇滚乐团,咏叹人生探讨存在与虚无之经典作。

18. Dog And Butterfly狗与蝴蝶 C Heart 红心合唱团

横跨70&80年代重量级女子摇滚乐团红心合唱团於78年之钜作。

19. Diary日记 C Bread面包合唱团

68年成军,拥有软式摇滚界帝王赞誉之乐团继IF后再度轰动作。

20. Annie’s Song安妮之歌 C John Denver 约翰 丹佛

一代民歌宗师献给夫人安妮的挚爱情歌,74年冠军单曲。

Disk:2

1. The Boxer拳击手 C Simon & Garfunkel 西蒙与加芬克尔二重唱

美国最伟大二重唱描述贫民区孩子只身到纽约奋斗的心灵创作。

2. American Pie美国派 C Don McLean 唐麦克林

总长达八分多钟无疑是乐坛经典。玛丹娜翻唱再度走红当今乐坛。

3. Mr. Tambourine Man铃鼓先生 C The Byrds 柏兹合唱团

承继披头四乐团精髓,演唱巴布狄伦之作荣登64年英美排行Top1。

4. Let It Be Me但愿是我 C Glen Campbell & Bobbie Gentry 葛伦 坎贝尔&巴比 珍崔

葛莱美奖最佳男歌手与女歌手得主,深情唱出乡村乐招牌情歌。

5. If I Were A Carpenter假如我是个木匠 C Johnny Cash 约翰尼 卡什

以低沈嗓音留名史上的巨擘翻作70年葛莱美最佳乡村合唱曲。

6. El Condor Pasa (If I Could)老鹰之歌 C Andy Williams 安迪 威廉斯

原秘鲁民族乐家作品,跨世纪情歌圣手现场版听见乐迷同唱的感动。

7. Guantanamera关达拉美拉 C The Sandpipers 知更鸟乐团

改编自古巴作家Jose Marti的诗,改编后红遍70年代各大舞池。

8. Puff The Magic Dragon神奇龙 C The Brothers Four 四兄弟合唱团

以和声见长阐述「彼得, 保罗与玛丽」关心人权反战呼声的经典作。

9. Where Have All The Flowers Gone花儿都到哪里去了 C Pete Seeger 彼得 席格

第36届葛莱美终身成就奖的民谣传奇人物谱写之着名反战歌曲。

10. Danny Boy丹尼少年 C Johnny Cash 约翰尼 卡什

描述儿子上战场之感人爱尔兰民谣。「忠魂鹃血离恨天」电影曲。

11. Today今天 C John Davidson约翰戴文森

67年金曲,当年美国百老汇与台湾美军俱乐部最爱晚安曲。

12. Evergreen Tree常青树 C Cliff Richard 克里夫 理察德

演唱第六感生死恋「奔放的旋律」红遍全球的"英国猫王"弦外之音。

13. Cotton Fields棉花田 C The New Christy Minstrels 新克利斯提诗人

65年西洋经典老歌之一,过去全台校园民歌比赛之必备曲目。

14. All Kinds Of Everything万事万物 C Dana 唐娜

爱尔兰国宝女歌手。此曲一举拿下70年欧洲歌唱大赛冠军。

15. All I Have To Do Is Dream只有寻梦去 C The Everly Brothers艾维利兄弟二重唱

全台曝光度最高广告曲,1958年连续5周冠军单曲。

16. Rhythm Of The Rain雨的节奏 C Cascades 瀑布合唱团

同样是台湾当红民歌,也是电视广告曲的热门最爱。

17. Interlude插曲 C Timi Yuro 蒂蜜尤洛

来自芝加哥的民谣女歌手,以充满灵魂风味的嗓音演唱70年佳作。

18. Seven Daffodils七水仙 C The Brothers Four 四兄弟合唱团

享誉60年代的四人美声团体演唱64年经典「七水仙」。

19. Michael Row The Boat Ashore麦可,将船划上岸C Pete Seeger 彼得 席格

原本为十九世纪黑人工作歌,於70年代再度走红全球。

20. We Shall Overcome我们一定会胜利 C The Brothers Four 四兄弟合唱团

堪称60年代民权?#092;动的国民颂歌,透过四兄弟演唱扬名世界

美国黑人音乐大致可以分为劳动音乐、宗教音乐和流行音乐三个类别。劳动音乐中主要的品种是劳动歌曲;宗教音乐中最有影响的是黑人灵歌(the Negro spiritual),福音歌(gospel music);流行音乐中则有蓝调(blues)、爵士(jazz)、迪斯科(disco)等不同的品种。在这些品种中,最早出现的是劳动音乐,而最有影响的则是蓝调和爵士。

劳动音乐中最重要的品种是被称为“field holler”的号子,号子都是即兴编唱的,大都用虚词为歌词,只有很少一部分用实词为歌词,大多采用五声音阶,而且不少音“带腔”(bent pitches或flexible tones),后来就成为蓝调中的特有的蓝调音(blue notes)。号子多采用一领众和式,节奏比较复杂。

灵歌是信仰基督教黑人在教堂中演唱的宗教歌曲,其内容多表现痛苦的情感,如《你是否在场?》的歌词为:

当我主被钉上十子架,你是否在场?

当我主被钉上十子架,你是否在场?

主啊!那情景令我发颤

当我主被钉上十子架,你是否在场?

当他被钉在树上,你是否在场?

当他被钉在树上,你是否在场?

主啊!那情景令我发颤

当他被钉在树上,你是否在场?

灵歌最初是即兴演唱的,也多采用一领众和的形式,所以也比较容易学。虽然它的内容是基督教的,但它的演唱形式和创作方式都保存了西非的传统。

蓝调是一种具有民歌风的独唱曲,它最初是黑人自娱性的歌曲,后来非常流行,而且对包括爵士在内的几乎所有美国音乐品种都产生了深远影响。

蓝调产生是在美国内战之后产生的,当时有不少被解放了的黑奴离开农场和家乡去做他们所不熟悉的工作,如修铁路、挖沟等,辛苦的工作和菲薄的工资使他们感到痛苦,便即兴编唱一些歌曲来表达自己的不幸,这便是最初的蓝调。晚上,黑人们在聚居地方唱蓝调自娱,这种蓝调称为“乡村蓝调”(rural blues)。后来有黑人歌手到城市中的酒吧和沙龙去演唱乡村蓝调,并用吉他、口琴或钢琴伴奏,这些由专业歌手所演唱的蓝调则被称为“城市蓝调”(urban blues)。

蓝调歌词的主要题材是关于爱情和劳动生活,歌词最初的格律是每段一句,重复演唱三次,后来演变为每段两句,第一句重复,构成AAB形式,如:

你还要像狗一样待我多少年?

你还要像狗一样待我多少年?

我宁可快些死去,在地下长眠。

蓝调所用的音阶基本和大调相同,但常出现降低半音的三级、七级甚至五级音,有时也会在这几个音级上用摇声,这些带腔的音被成为“蓝调音”。

蓝调的旋律一般是12小节,每句歌词唱4小节,3句正好是12小节,这种形式被称为“12小节蓝调”(twelve-bar blues)。12小节一段显然继承了西非音乐12拍为一个单位的传统。蓝调采用主和弦、属和弦和下属和弦伴奏,其和声进行的一般规律是第一句用主和弦,第二句前两小节用下属和弦,后两小节用主和弦,第三句前两小节用属和弦,后两小节用主和弦。和弦进行是进行即兴演唱和演奏的基础,歌手们能够根据这一简单的和声进行,即兴编唱出无数优美动听的曲调,也正因为用这个有12小节的和声进行为基础,歌唱家和器乐演奏家才能配合默契,即兴地进行创造。

蓝调乡村蓝调演唱者多为男性,城市蓝调的演唱者则多为女性,蓝调的演唱家和演奏家经常和爵士音乐家合作,他们之间的关系密切。因为蓝调和爵士都是黑人创造的音乐,节奏复杂多变,旋律都用蓝调音,还都强调即兴演唱和演奏。

谈到爵士乐就不能不提到拉格泰姆(Ragtime)音乐,在英文中“拉格”一字的意思是用切分节奏来演奏一个旋律。拉格泰姆出现在19世纪末,是当时的作曲家们创作的一种钢琴独奏曲,虽然它采用欧洲古典音乐的和声,但受黑人音乐的影响,充满切分节奏。

在美国内战结束后,黑人音乐家们可以得到或用比较便宜价钱买到内战时期军乐队所用的乐器,新奥尔良的黑人音乐家便开始用他们自己方式演奏这些乐器。他们不仅在举行庆祝游行时和音乐会上演奏,也为葬礼演奏。葬礼结束后在从墓地回城市的路上,他们常用拉格泰姆音乐中切分节奏演奏流行歌曲,并自由地进行加花和炫耀自己的演奏技巧。黑人的管乐队逐渐从室外的仪式性乐队演变为以伴舞和娱人为主的室内乐队后,音乐家们用格泰姆音乐加切分节奏的办法来演奏欧洲的进行曲、舞曲,甚至歌剧选曲,并加上即兴演奏的段落。就这样,新奥尔良的黑人音乐家们便逐渐创造一种新的演奏方式-爵士乐。

“爵士”诞生在20世纪初,最早写作“jass”、“jasz” 或“jazz”,后来才统一写为“jazz”。至于这种音乐为什么叫“爵士”也有不同的说法,但大多数研究家都认为这一称呼和新奥尔良地处斯道瑞维尔 (Storyville) 的红灯区有关,因为许多黑人音乐家最初就是在那一带的妓院和赌场里演奏的。(Ferris 1991:233)有人认为“jazz”一字源于“jasmine”(茉莉花),因为斯道瑞维尔的青楼女子多用茉莉花味的香水;也有人认为“jazz”源于“jezebel” (无耻的放荡女人),在19世纪末,这个单词在美国差不多就是妓女的代称。

最早的爵士乐队包括黑管、短号、长号、鼓等乐器,由3到8个演奏员组成一个乐队,后来小号取代了短号,又加上了萨克管、吉他和倍大提琴等乐器,才形成了比较完整的爵士乐队。

爵士音乐家们在选定一首乐曲后,决定为它配什么样的和声和如何重复后,便开始即兴演奏。他们当时所选的乐曲,可能是拉格泰姆、蓝调、进行曲或流行歌曲。在即兴演奏时,一般由短号演奏旋律,黑管环绕主要旋律演奏对位旋律,长号演奏和声基础,而鼓打出各种节奏。每件乐器除伴奏之外,一般也要即兴地演奏一段。所以,与其说爵士乐是一种独特的音乐,不如说它是一种以即兴独奏和集体合奏相结合的独特演奏方式。这种方式之所以能够被音乐家实践,是因为它吸取了欧洲音乐中的精华-和声,在和声背景的制约下进行即兴演奏,使集体的合奏和个人的发挥都有了依据。这种方式又之所以为全世界的广大听众所欢迎和热爱,也在于它的原则和西方古典音乐不同,更能体现近现代人对生活的看法和现代人精神方面的要求。

1920年代,许多杰出的爵士乐演奏家从新奥尔良搬到了芝加哥,这样芝加哥便取代新奥尔良,成为爵士乐的中心。芝加哥的白人音乐家也喜欢爵士乐,便把一些流行的和古典音乐的曲调改编为爵士乐,但白人音乐家并不即兴演奏。这种根据事先写出总谱演奏的爵士乐被成为“甜爵士”(sweet jazz)。1924年,为了在卡耐基音乐厅演出,“甜爵士”的倡导者包罗。惠特曼(Paul Whiteman)请作曲家格什温(George Gershwin)按爵士乐的风格为交响乐队写了一首《蓝色狂想曲》(Rhapsody in Blue),这首乐曲演出后受到公众的热烈欢迎,被称成为“交响爵士” (symphonic jazz)。由于“甜爵士”和“交响爵士”都不是即兴演奏而是按谱演奏的,当时许多评论家都不认为它们是“爵士乐”。

美国黑人音乐的影响

爵士乐导致了“甜爵士”和“交响爵士”产生,但美国黑人音乐的影响远不止于此。有评论家认为爵士乐是美国人对世界文明三个最重要的贡献之一,我十分赞赏这个看法。因为包括爵士乐在内的美国黑人音乐,在20世纪初为世界音乐史揭开了新的一页。

从文艺复兴时代开始逐渐发展起来的欧洲古典音乐,在19世纪末发展到它的颠峰时代。从民族音乐学的观点来分析它,不难发现它有如下特性:

1)在音乐家内部有细致分工,一般是作曲家负责创作,写出乐谱,演奏家和歌唱家负责表演,按照乐谱唱、奏,很少有即兴表演。表演艺术家所应当表达的应当是作曲家彼时彼地的感情,而不应当是他们自己此时此地的感情。

2)这种音乐一般是在音乐厅中表演的,听众的职责是安静地坐在那里用耳朵听,一般不允许听众参与表演,在音乐的进行中听众必须洗耳恭听,不允许发出任何声音。

3)这种音乐虽然是反映生活的,但却不在日常生活中演奏,一般也不和劳动、仪式、游戏、恋爱等活动结合。同时,古典音乐有很高的技术性,不经过长期的专门学习和训练,无法掌握它;不经过长期的熏陶,也无法理解它。

如果把这种音乐文化和世界上其他音乐文化,如印度、中国、非洲、中东音乐文化加以比较,不难发现其他音乐文化都看重即兴演奏,都允许听众有某种程度的参与,都和日常生活本身密切结合,都有各种不同的实用功能,它们之间有更多的共性,西洋古典音乐和它们相比就显得非常特殊。欧洲的古典音乐文化的确是人类历史上一种杰出的,但也是比较特殊的音乐文化。

按照安德鲁-克拉克的看法,欧洲古典音乐文化在20世纪已经成为“无源之水、无土之木”,“到20世纪20年代古典音乐创造性的一面开始沿着现代化的死胡同消失殆尽”,“只有那些最热忱的爱好者还坚持着”。

美国是全世界经济文化最发达的国家,早期移民主要来自欧洲,教授欧洲古典音乐是美国的大、中、小学校音乐教学的主要任务。然而根据2000年统计的材料看,美国只有10%到15%的人和欧洲古典音乐有所接触,在这些人中也只有一半对古典音乐真有兴趣,其他一半人只是偶尔听听罢了。也就是说,这个国家只有5%到7%的人对欧洲古典音乐感兴趣,而在这些人中间,听收音机的人最多,听唱片的次之,而去音乐会的最少。事实证明克拉克的看法很对,大众已不再对古典音乐感兴趣。

而美国黑人音乐却遵循完全不同的原则创作音乐,它以即兴演奏为主,演奏家和演唱家也就是作曲家,他们在表演时,倾诉自己的、而非他人的感情;表演可在各种场合进行,提倡人们参与,修养不那么高的听众也不会被拒之门外,除听觉效果外,也强调表演的视觉效果;因为他们希望音乐尽量地贴近生活,最好能和和生活融为一体。所以他们的表演符合大众的需求,非常受欢迎。

上述美国黑人音乐的原则,因为和欧洲古典音乐如此不同,所以能在古典音乐逐渐成为文化恐龙的过程中,为全世界指出了一个新的发展方向,许多不同民族的人都朝着这个方向努力,开辟了一个多元文化和方兴未艾的休闲文化的新时代。这是美国黑人音乐对世界音乐文化的影响所在,也是美国黑人对世界音乐历史做出的巨大贡献。

20世纪20年代由早期的拉格泰姆(Ragtime)和蓝调(Blues)吸取营养发展而成,有自由

即兴的风格、令人兴奋的节奏、鲜明的切分音,是微妙而无法准确记谱的美妙音乐。

在众多流行音乐中,爵士乐是出现最早并且是在世界上影响较广的一个乐种,爵士乐实际就是美国的民间音乐。欧洲教堂音乐、美国黑人小提琴和班卓传统音乐融合非洲吟唱及美国黑人劳动号子形成了最初的"民间蓝调","拉格泰姆"和"民间蓝调"构成了早期的爵士乐。

最近看了一部日本影片讲述高中生热爱爵士音乐<<摇摆女孩>>还不错.

现今美国音乐乐坛在形态、节奏及其它结构发展过程中充斥着各种元素。流行音乐方面节奏布鲁斯、摇滚、R&B等音乐风格等层出不穷,这和爵士音乐的流行化是分不开的,音乐大部分带有的舞蹈因素使其流传迅速且为大众所熟知。在专业音乐方面爵士音乐所含有的风格也对之作出不小的贡献,它的节奏以及特有的音型被本土作曲家借鉴,发展了荣登大雅之堂的美国特色音乐。也有的元素被外国音乐人吸收成为了20世纪初期欧洲浪漫向现代音乐发展中颇具试验性质的音乐作品。由于爵士音乐内容的综合性,使其无论在流行还是专业领域都留下过足迹,它可以说是和美国发展历史并行的一种艺术形式。

爵士音乐的产生

爵士音乐是一个综合性的音乐,产生主要有三个方面:美国本土音乐、黑人音乐以及欧洲古典音乐。爵士乐很明显可以看出就是熔炉中的混合物。

19世纪美国的本土音乐极富特色,曾出现许多优秀的美国作曲家如:斯蒂芬・福斯特。他富于感伤的流行音乐作品和叙事歌曾受到极大欢迎,表现出了那个时期美国音乐的普遍特点:曲调动人上口,调性关系简单,歌词伤感质朴,和声合乎规则,节奏反复单一,令人难以忘记。因此他的歌曲在当时受欢迎程度上远远超过了欧洲“艺术歌曲”,最著名的就是《故乡的亲人》。及至19世纪后期美国各种流行歌曲也未对此形式有很大的改变从而形成弥漫全国的音乐气息DD朗诵型旋律的风格、四四的节拍、常规的分句……这些在今后的爵士乐风格中都可以找到明显的痕迹,早期爵士音乐就移植了美国音乐简单统一的旋律型和基本的声型。

同时,黑人对于爵士产生也有着重大影响,美国黑人民歌原本就和白人歌曲有着明显的区别。在民歌的哼唱中经常带有变音转调、微妙的节奏、独特的高音、泛音和音色。他们中间遗留着许多非洲祖先的音乐元素,比如黑人灵歌和布鲁斯。在黑人社会中灵歌几乎就是他们思想、情感上的支柱。它几乎集中了所有美国黑人对于他们身世、历史、遭遇、苦难,以及他们的期待和失望。黑人音乐布鲁斯是爵士乐形成最重要的因素,它的音乐与灵歌一样充满哀婉悲凉,表现了被压抑被剥削的黑人阶层的典型情感和心理,是人生愁苦情绪的直接倾诉和宣泄。起源于19世纪晚期的布鲁斯糅合了非洲式的田野呐喊和教堂唱诗班的甜美歌声,最初并无伴唱,之后才有了提琴、吉他、班卓琴之类的单一乐器伴奏,产生了乐器与歌者交替的表演形式。这也就是爵士音乐最初的结构面貌。标准的布鲁斯音乐一般是12小节的结构,分为三行,每行4小节。歌词是两句相应的,第一句重复,每句长约2――5小节,剩下的4小节内容一般由表演者即兴发挥。生活在美国的黑人承袭了非洲祖先的表演方式,有时候演奏者会插入一段对白,但通常都是由伴奏的吉他或钢琴加入一些音乐语言。这是非洲音乐中典型的“呼答”式表现――歌手们的演唱为“呼”,吉他的插入演奏为答。同时,乐手们演唱或演奏时,紧紧地以节奏为中心进行旋律发展,而不是仅仅在节奏上进行,这也是典型的非洲风格。不过布鲁斯毕竟不是非洲音乐,因为在美国的奴隶们深受美国生活的影响而改变了他们原来音乐中原汁原味的非洲风格,使当时的黑人音乐逐渐成为美国与非洲音乐的结合体。

19世纪后半期,欧洲音乐正处于浪漫主义时期。各种花哨、炫技式的演奏层出不穷;各个作曲家都力图用最为夸大的表达方式将自己的情感融入乐曲之中。即使在调式体系、和声体系、节奏及曲式规范等方面都承袭自古典主义,但作曲家们出于反抗精神,在旋律、和声以及节奏方面都做出了极大的夸张和自由的改变。当时在美国的欧洲殖民者出于对音乐的爱好在美国东部几座都市中心相继建立起了音乐院校和音乐厅,使得欧洲音乐的传统和声体系及旋律风格逐步为美国人所熟识。南北战争推翻了奴隶制,初获解放的黑人逐渐进入欧洲殖民者开办的音乐学府学习并且取得毕业证书,甚至有许多黑人凭借他们超人的天赋在世界的艺术舞台上创造非凡成就。我们上述说得布鲁斯只算是徘徊在声乐音乐领域,而最初的爵士还包括在器乐音乐中――也就是和布鲁斯几乎同时出现的“拉格泰姆”。它从最典型的形式来看,是一种钢琴音乐一般用左手击出一种持续的相对固定的与进行曲风格很近似的节奏,同时以右手奏出极快且复杂的音列,并同左手的固定节奏形成交错,其方式是采用切分音,给节奏带来强烈的节奏律动趣味,非常具有戏剧性、气氛欢快热烈。尤其值得注意的是,拉格泰姆和布鲁斯不同,它可以用乐谱记下。使之盛行的是黑人音乐家斯科特・乔普林,他自幼受到古典音乐的训练,因此经他推动发展的拉格泰姆在当时相当欧化。

1923年以前留下的资料和音乐很少,我们无法用特定的时间来定义爵士究竟在何时形成以及那时的音乐风格究竟是怎么样的。但通过各种其他的图片和实物资料我们可以了解到爵士的发展与当时的社会生活有着极其密切的关系。新实行的种族隔离政策迫使许多曾受高等教育的克里奥尔人(黑人与白人所生的后代)与黑人共同居住,这也就促使了欧洲古典音乐和非洲传统音乐的碰撞。在灯红酒绿的各种娱乐场所中黑人们用一种倾斜于非洲风格的方式演奏古典音乐,并且运用穿插大量布鲁斯风格的即兴演奏和拉格泰姆的节奏型。于是,在同一时期的美国作曲家运用欧洲音乐创作特色及汲取浪漫主义音乐因素的同时,小部分音乐先行者又将美国本土流行音乐的节拍平稳单一等特色结合美国黑人传统音乐调性上的即兴因素与之结合而促成了爵士的诞生。

古典爵士乐中第一个普遍认定真正的爵士风格――新奥尔良爵士(new Orleans jazz)在1910年左右诞生。富于浪漫主义特色的赞美诗、游吟诗、散拍等多种元素都融于其中。在节奏方面常见的节奏有二:一是在演奏一个不连续的固定节奏时,每小节或每隔一小节第一拍奏成跳音和弦,通常用作器乐独奏的背景效果,源出于踢踏舞伴奏音型;其二是在即兴重复段中重复旋律线的节奏音型,以导致重音,在即兴复调音乐中产生强烈的节奏动力。所不同的是前者产生主调音乐,而后者是复调音乐(爵士音乐史――弗兰克・蒂罗)。这种爵士音乐在拉格泰姆的节奏中融入了布鲁斯的深刻情感。讲究前者的对位于切分,且提倡后者大量独奏、即兴装饰性的旋律变奏,气氛热烈欢快。在新奥尔良爵士发展如火如荼之际,新奥尔良和芝加哥等地的白人乐手也按耐不住开始发展自己的爵士音乐,由此产生了一个新奥尔良传统爵士的分支――迪克西兰爵士(Dixieland)。它产生于19世纪20年代左右,Dixieland的英文原意是军队露营之地:“Dixie’s land”因此可以猜想它与进行曲等音乐有关。它的风格大都来自布鲁斯,进行曲,与当时的流行音乐,甚至乐曲的一小段都可以拿来延伸、推展。这也就造成当时即兴演奏的滥觞。然而白人乐手虽然能够在节奏、音调以及对位法上接近于黑人乐手演奏的爵士乐,却缺少了出色的独奏。

爵士音乐的发展

在这段时期内,爵士音乐经历了与流行最为接近的过程转而开始往专业音乐的道路上发展。由于早期的古典爵士乐本身就含有大量欧洲古典音乐的技法和内容,因此爵士乐相比当时其他的流行音乐更容易也更迅速地向专业音乐领域发展。

30年代大萧条即将进入尾声,年轻人有着足够的金钱娱乐。同时,政府解除禁酒令更促使他们表现出狂热的一面。他们尽情的跟随乐队跳舞摇摆,疯狂之余也映射出当时摇摆乐(swing)的兴盛,也许正是这种音乐的动感节拍迎合了当时人们舞蹈时不自觉的身形摇摆而被冠以此名。班尼・古德曼是摇摆乐历史上的重要人物。当时的演奏团体是“大乐队(big band)”这是大萧条前期产生的乐队形势,由一些著名的爵士演奏家组成,目的是为了让人便于编排和写作乐曲的同时兼而达到和爵士独奏风格相同的效果。古德曼在“大乐队”中积极吸收各位乐师,也是第一个接纳黑人演奏家的白人音乐家。他借助黑人乐队中的“摇摆”技巧,基本的节奏和实际的旋律之间有一种强烈的紧张度;同时聘请专人为其编曲,却恰巧因其早期所受的古典音乐训练而摒弃了存在黑人乐队中过多的布鲁斯化的基本处理,将古典音乐特有的准确性带入演奏。黑人乐师常在演奏中扭曲夸张音乐,而古德曼则坚持以直截了当的方式表达音乐,这也就造成他将黑人大型乐队中非洲风格柔化同时也保持了摇摆风格的节奏。这一创举使摇摆乐在白人群体中迅速被接受。于是在古典爵士乐因大萧条走到没落之际,摇摆乐开始蠢蠢欲动并随着黑人演奏家艾灵顿公爵的脚步逐步演变为歌舞表演的伴奏乐曲和演奏会音乐。爵士乐的专业化道路也就从这一时期开始萌芽。爵士音乐的主体和内容在其初期就是确定的,但是其表现、其形式并不具有风格特征。当进入了“摇摆”时期,爵士才开始真正地有意识的逐渐建立了自己的风格,从节奏的规范、旋律的模式、乐器的选择,到乐队的规模和结构,都有了初具艺术特征的意思。(爵士百年兴衰录,洛秦,2002年8月)。

这期间的爵士朝着两个不同的方面发展,一个继续其原有的流行步伐寻找不同的新鲜素材求得生存,另一边从节奏音型方面开始逐步渗入专业音乐领域。

流行音乐方面大型乐队的演奏形式让即兴独奏者几乎毫无立足之地。千篇一律的摇摆在和声方面空洞无物;和弦进行局限于三和弦、七和弦,最多偶尔出现增减和弦或者加上个把音符;节奏总是老一套的简单切分音混合式;旋律过于受传统束缚,死守住4小节和8小节为乐句结构的跳舞音乐。(爵士百年兴衰录,洛秦)很快有些人开始对于摇摆失去以往的新鲜感并开始寻求突破,他们通过添加一些经过和弦,在原来的结构上增加了一个第二位的和声进行节奏活动。查理・帕克和迪兹・吉莱斯皮在此基础上用一种有悖于传统的独树一帜的令人难以理解的即兴演奏方式确立“比波普/波普”风格(bebop/bop),成为了革新的先锋,开创了现代爵士乐的先河。“比波普”这个词语最先只是形容音乐家在练习发声或哼唱器乐作品旋律时发出的一些没有明确意义的音节,但这也正反映出新风格中带有的自由不羁的特征。和摇摆相比,波普的旋律乐句长短不一,结构也不那么均匀对称;和声比较复杂、不谐和且变换频繁;节奏多变并且强调不规则的重音,充满了对比。演奏摒弃了大乐队的庞大编制而改由3~6人组成,不使用乐谱的新规则让即兴重新回到了主要的位置。由于波普的出现对于当时大乐队和摇摆是一种颠覆,因此它被视作不受欢迎的另类。同时,比波普音乐家们试图把爵士乐的质量从功利主义的跳舞音乐水平提高到室内乐艺术形式的水平并将爵士音乐家从供人娱乐者的地位提高到艺术家的地位,他们有意识的建立一个新的精英阶层,把那些不符合他们预订的艺术标准的人排斥在外。这也就导致了波普乐逐步远离社会、脱离听众、甚至令其它传统爵士乐师们也对其质疑,爵士流行方面在历史上的分裂期因此产生。

传统的乐手们开始怀念起大乐队时期团结的集体观念,他们重新组织人手希望能够再次将之发扬光大。但大乐团的演奏方式或许终究违背了爵士自由即兴的本质,因此随着时代的变迁,几十个乐手同台演出的方式也逐步退出了历史舞台,大乐团的经久不衰的光环就此消失,剩下的先锋乐手们不断的发展着现代爵士。正如波普取代摇摆一样迅捷,人们不停地喜新厌旧,各种爵士风格接踵而至。冷爵士(cool jazz)吸纳波普和摇摆被摒弃的特点,以柔和优雅和重视编曲为人们所知,反映出古典爵士乐的影响并具有很强的实验性,迎合大众的口味。然而不多久,硬爵士(hard bop)的崛起淹没了冷爵士,其注重打击乐的特点确立了今后鼓在爵士乐演奏中的地位。之后也不断有人尝试新鲜的刺激方式来发展爵士,比如麦克尔・戴维斯的“调性爵士(modal jazz)”,虽然将爵士音乐限定在固定的几个调式中,但却给了乐手更大的发挥空间。

1959年爵士历史上又一次革命在奥奈特・科尔曼的“极度自由”中展开。他和他的伙伴在毫无预知演奏什么的情况下走进录音室开始自由之旅。自由爵士(free jazz)试图破坏结构、方向和调性的感觉,配器法比较接近普通爵士乐队,即分旋律乐器的节奏组。不过这些传统乐器都让位给了印度西塔尔琴、塔布拉双鼓、扩音拇指钢琴、警笛、电子八度音栓装置、令人产生幻觉的灯光和大量不合标准的电子设备及打击乐器。因此,有些自由爵士乐队看上去就像一只非爵士的先锋派乐队。(爵士音乐史,弗兰克・蒂罗)自由爵士和波普一样在出现之初被认定是一种“错误”、是对爵士音乐艺术的践踏。然而许多爵士演奏家本身都受过专业的古典音乐训练,他们并非不懂得如何作曲,而是在摆脱传统调式、规范的同时表达自己内心地感受。因此自由爵士此时已经不仅仅是一种纯粹的为人欣赏的音乐,更多的是人内心思想的表达,是精神层面的爆发。

自从60年代末摇滚乐兴起以来,爵士乐的穷途末路也就开始了。越来越多的人开始涌向“甲壳虫”,而将爵士音乐撂在一边。然而爵士音乐家们不愿轻而易举的放弃自己的信念,麦克尔・戴维斯就是这样一个执著的人。他观察到摇滚虽然有不同种族和风格的因素,但其本质还是将几乎所有的流行因素都汇合起来,于是戴维斯在爵士没落之际将结构和音色方面都做出了大胆的改进,采用古典音乐中回旋曲式,不断地重复乐思、乐段,使每个作品都具有活力和明确的结构倾向并且大胆用电子乐器来创造和获得各种各样的音响色彩,使抒情性和幻想性在表演和创作中得到充分的发挥。尤其值得注意的是,他在探索中开创了“融合音乐”(Fusion)――即将摇滚音乐等流行因素与爵士相结合从而推动爵士音乐的发展。直到80年代所有关于此类型风格的爵士乐都被称为摇滚融合爵士乐(Jazz-Rock-Fusion)。然而爵士大融合也正反映出它的没落,它开始没有自己的个性而依赖其他流行因素发展,丢失了自己的文化土壤并脱离了固有的精神与灵魂的根基。

专业音乐方面,当时西方音乐明显形成要求丰富音乐语言和要求革新音乐语言的两种倾向,出现了关于音乐创作不同的美学见解。大致有三个方面1.采用本国素材进行创作2.大胆尝试和改革,不失传统3.在德国后浪漫主义创作基础上发展的十二音音乐、序列音乐等。美国专业音乐创作的真正崛起是在两次世界大战之间。第一次世界大战中美国并未受直接的经济损失,经济的迅速发展使得大批音乐院校开始建立,而欧洲音乐家因战迁徙至美国也使得专业音乐在群众中迅速普及。在这个不断富裕的年代音乐戏曲美术都达到了世界水平,确立美国风格的运动得以逐步开展。美国专业音乐中对于欧洲的特色有着不同的反响和运用,有的作曲家出于民族自豪感竭力在创作中确立自己的风格和特点,有的则与欧洲风行一时的新音乐共命运,从事各种新音响的试验和探索。在这里主要涉及的是将民族素材进行专业创作的方面。

下面我们要来谈谈乔治・格什温,他对于爵士音乐进入专业领域有着不可估量的贡献。虽然在他之前也有不少欧美作曲家注意到爵士并偶尔采用了其中的元素如:戈特沙尔克《班卓琴》、德彪西《黑人木偶步态舞曲》《儿童之家》、卡彭特《小协奏曲》、斯特拉文斯基《钢琴的拉格泰姆》等,但他们的作品都不曾像格什温的那样得到广泛注意。格什温从流行音乐写作开始逐步向专业音乐发展,发挥自己运用流行音乐和民间音乐的特长将爵士、拉格泰姆、布鲁斯等体裁运用于严肃音乐的创作。他那具有美国特性的、为群众广泛接受的音乐有《蓝色狂想曲》、《F大调钢琴协奏曲》以及歌剧《波其与贝丝》等。其中《波》剧是一部引起人们的广泛注意的反映黑人生活的作品,因其具有爵士和布鲁斯的风格而被载入史册。《篮狂》更是格什温在爵士发展巅峰期和自身创作黄金期的一首历史性的杰作,主旨在于推翻关于爵士必须保持严格节拍、墨守舞蹈节拍这一错误观点。这首作品类似钢琴协奏曲,正是爵士的常见形式;作品突出旋律、通俗易记、鲜明节奏和切分音的使用,对动机、主题、短句等材料处理方面基本没有进行发展或展开,而是较多地进行重复,在重复中使音乐带有即兴变化的性质,这也恰巧是爵士常用的手法;在曲式方面同样运用了爵士常用的自由分段形式。《篮狂》开拓了第一个美国流行音乐家走向专业音乐的成功之路,是爵士搬上舞台第一部成功之作,使严肃音乐家接近广大听众,也使艺术音乐获得更广泛的听众,成为美国专业音乐文献中的代表。格什温强调音乐中唯一重要的东西是思想和感情,因此运用布鲁斯或爵士的黑人情感音乐正迎合了他的观念。

同时期还出现了其他将爵士音乐与专业音乐联系的作曲家。科普兰受德彪西、拉威尔等人选用爵士节奏的影响,同样将爵士作为素材进行协作。他的目的使用严肃音乐的语言写出一个美国风味的作品,让人意识到爵士含有一种天然的可探索的节奏。然而他逐步认识到自己有限的即兴才能,无法真正驾驭爵士和布鲁斯,因此他逐步放弃了用爵士引导专业音乐的想法。另一个是黑人作曲家斯蒂尔,他将运用黑人曲风作为自己责无旁贷的使命,尤其是爵士。他认为爵士是在美国发展的少数属于美国而非世界其他国家的民族音乐语言,他的作品许多体现了其民主思想。随着年龄和创作的成熟,斯蒂尔的音乐风格开始趋向欧洲并且民间素材的运用范围也更为广泛,在此我们就不对之深入下去了。

结尾

爵士音乐的历史正如许多音乐一样经历了兴起,兴盛和没落。它在不同的时代中发展着自己不同的形式,虽然最终似乎有磨灭自我的倾向,但其昔日体现的精神内涵和本质却反映出一种执著追求的信念,也造就了一批耳熟能详的名字。虽然80年代初了融合爵士与一息尚存的自由爵士乐之外,爵士音乐似乎已经到了强弩之末的地步,欲振乏力的爵士乐已经失去它原有的焦点与重心。但是面对一个每一种音乐形态都被先辈们探索过的局面,爵士乐手们依然坚持着先辈们留下的爵士精神而重新回到过去,从经典爵士乐中寻找新的题材和创作灵感:一个以波普为基调,有新奥尔良爵士、摇摆与灵魂乐色彩,高度强调演奏技巧与典雅旋律的所谓“新古典主义”被制造出来成为80年代的主流风格。而且在专业音乐中时刻都能听到富有激情的节奏和绕人心魄的曲调,这成为了现代音乐流行与专业日趋模糊的重要表征。爵士的发展依靠的是不断的新鲜和刺激,在充斥了浮躁和流行泛滥的年代爵士是否还能重振往日雄风有待历史的见证。